Nas primeiras audições, Black City aparenta não possuir o mesmo pulsar contagiante do disco anterior. Uma aparência que ganha mais consistência a cada audição e, até determinada altura, começa do ponto onde Asa Breed ficou. Traduzindo: menos luz e exteriorização, mais escuridão e interiorização. O que não é necessário mau, especialmente se tivermos em conta que estamos a falar de Matthew Dear. Até porque o mesmo transe melódico continua intacto e a esquizofrenia ganha sempre nele um certo glamour. E sinceramente ninguém esperaria um disco igual ao anterior.

Primeiro sinal sombrio de Black City: o tema título, faixa com quase dez minutos que inicialmente abre uma janela para um jogo de raios cristalinos e que caminha para uma espiral de “esquisitice boa”, curiosamente com vocalizações a lembrar os Liars (!). Já a belíssima Slowdance e também Honey representam todo o lado mais melancólico do músico, irmãs-siamesas de Deserter, um dos temas mais memóráveis da electrónica indie nos últimos anos (com fantasma de Ian Curtis a surgir de forma inesperada). Além disso, o tema final Gem, é a torch song que sempre imaginámos em Dear.

Segundo sinal menos sombrio de Black City: a fluidez com que as dez faixas se apresentam. Mesmo existindo um manto mais negro a pairar pelo álbum, a electricidade colorida que o caracteriza mantem-se bem presente. No fundo, contrapõem-se a tudo o resto, mas contrapõem-se da maneira mais subtil e inteligente possível, respeitando e integrando o cenário intimista que se sente.

Resumindo, este é mais um importante capítulo para um percurso sempre imprevisível e nunca acabado de um dos maiores nomes da electrónica actual. Genericamente menos acessível que Asa Breed mas suficientemente irresistível e pertinente para o escutarmos com atenção.  Adeptos ou não do género, este será um disco prioritário para os próximos meses.

Rita Andrade

Myspace

Black City Video Teaser

Myspace

]]> http://www.mesclasonora.com/gala-drop-trazem-novidades/feed/ 0 http://www.mesclasonora.com/sob-escuta-prince-rama/ http://www.mesclasonora.com/sob-escuta-prince-rama/#comments Thu, 02 Sep 2010 15:13:38 +0000 Nuno Afonso http://www.mesclasonora.com/?p=2525 Na senda de trips cósmicas, tantas vezes assentes numa  chamada indirecta de um universo ancestral resgatado à cultura pagã de  tribos indígenas, a planta sagrada maia peyote parece ser aqui um elemento fulcral. Pelo menos nestes dias que correm. Quando em 2009 as Pocahaunted lançavam um fabuloso disco precisamente intitulado Peyote Road, não só a própria música como o trabalho gráfico e a forte criação de imagens abriam caminho para uma certa admiração e inspiração “peyotiana”. Símbolo de ligação aos espíritos antepassados e objecto de um certo culto na contra-cultultura norte-americana, acaba por ser natural o fascínio em redor da planta e aos supostos novos mundos adjacentes. Ao escutarmos os – agora simplificados – Prince Rama (outrora Prince Rama Of Ayodhya), escutamos também os ecos de uma eventual e imaginária tribo, adequada aos tempos modernos q.b.

Do início da década em que a expressão New Weird America tomava as suas próprias proporções até hoje, o percurso dos Prince Rama tem sido cada vez mais auspicioso. Após uma mão cheia de gravações para um circuito musical mais underground, os Animal Collective abriram as portas da sua editora (a Paw Tracks) à banda.  

Shadow Temple é um disco bizarro, à sua maneira. Não que se apresente como um perfeito objecto OVNI, mas traz com certeza um ambiente minimamente alternativo ao que se poderá escutar em 2010. São notórios os vestígios de alguns pontos característicos de bandas como os Gang Gang Dance e os  Popul Vuh ou ainda de alguns traços de free jazz; contudo, os Prince Rama destacam-se pela criação de uma aura de certo modo multi-dimensional. Canções grandiosas e espaciais conduzidas por percussões inebriantes, coros assombrosos e melodias serpenteantes.

Escutado o disco, volta a pairar a ideia do peyote e das culturas ancestrais. Não se trata de música janada, trata-se sim de música com um pé assente no passado e outro no futuro. Abençoada ou não pelo peyote, aí será outra questão, que pouco ou nada importa. Esoterismos e psicotrópicos à parte, Shadow Temple contém bons motivos para o visitar. Para quando um culto semelhante para com a Aloe Vera?

Nuno Afonso

Myspace

Prince Rama Of Ayodhya – Land Of The Apocalypse Transcended MP3 Download

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[via Stereogum]

]]> http://www.mesclasonora.com/tracks-no-age-glitter/feed/ 0 http://www.mesclasonora.com/ao-vivo-festival-bons-sons/ http://www.mesclasonora.com/ao-vivo-festival-bons-sons/#comments Mon, 30 Aug 2010 13:18:28 +0000 Nuno Afonso http://www.mesclasonora.com/?p=2516 No meio de tanta oferta de festivais de verão que há actualmente em Portugal, há um que nos vai buscar a casa e nos obriga a ir: o Bons Sons é um festival de música portuguesa de raiz mais tradicional, que ocorre a todos os dois anos numa aldeia perto de Tomar, com nome de lugarejo perdido de um western de John Ford – Cem Soldos – e onde os autóctones se mobilizam para receberem os visitantes, numa autêntica organização comunitária. O Mescla Sonora não resistiu ao apelo e foi ver o que se passou pelos três palcos da edição deste ano do Bons Sons, que encheu as ruas de Cem Soldos até ao limite do tolerável.

Princezito
O concerto de Princezito foi o ideal para abrir o primeiro de três dias de festival: com os ritmos quentes e sensuais de África, o cabo-verdiano foi, pé ante pé, chamando os mais distraídos para junto do palco e alertando quem andava nas ruas paralelas a ver as barraquinhas da feira de marroquinaria de que o concerto já havia começado. Depois, quando o público já estava reunido, este herdeiro do batuku e da tradição vocal do finaçon trouxe “Lua”, tema que todos reconhecem da voz de Mayra Andrade. A partir daqui, final em festa – ainda com uma versão de “Sodade”, popularizada por Cesária Évora e por Bonga –, em que faltou apenas um bocadinho assim para Princezito encher o palco. Mesmo assim, as suas boas vibrações convenceram o público a traze-lo de volta para o encore.

Dead Combo
Os Dead Combo, duo instrumental a guitarra e contrabaixo de Tó Trips e Pedro Gonçalves, são uma das grandes bandas da actual música portuguesa. Toda a gente os conhece e sabe o que esperar, por isso não vale a pena estar a perder tempo com as inevitáveis descrições de westerns em Alfama e lavadeiras no faroeste americano. Vale, isso sim, realçar o quão segura está cada vez mais a banda, especialmente Tó Trips, que como se pode dedicar agora mais aos territórios intimistas com o seu projecto a solo, está mais expansivo na forma omo aborda a guitarra. E isso reflecte-se na música. Portanto, os Dead Combo estão cada vez mais sónicos e mais rock’n’roll: a guitarra eléctrica de Trips está tão urgente e próxima da força primitiva e hormonal do rock como estava Link Wray na primeira vez que tocou “Rumble” ou o Dick Dale quando começou a brincar ao surf-rock. Tempo ainda para as versões já habituais nos seus alinhamentos ao vivo de “Like a Drug”, dos Queen of the Stone Age, e “Temptation”, de Tom Waits. Mesmo assim, esta última continua a soar melhor na simplicidade do “3 Pistas”, do Henrique Amaro.

Diabo a Sete
Vêm de Coimbra, mas a gaita-de-foles (e demais pífaros), o acordeão e a percussão começam por lembrar a tradição bretã – desde a fiesta dos Pogues, sempre os Pogues, até ao alt-country dos Mekons. Mas os Diabo a Sete têm também adufes, sanfonas e, claro, um inevitável pendor pela tradição minhota e transmontana, num concerto em tom de festa dançante. Contudo, o concerto entrou um pouco numa viagem circular e, por isso, algo repetitiva.

Melech Mechaya
Em festival de world music (ou similar) que se preze, não há fanfarra que não tenha sucesso imediato. Os ritmos ciganos e da música klezmer que os Melech Mechaya emulam com uma projecção punk (olá Gogol Bordello, olá Emir Kusturica, claro) criam esta galvanização que trespassa para o público, com a banda a ter o trunfo de conseguir evitar os riscos de se tornarem repetitivos, recorrendo a pequenos e simples truques que fazem toda a diferença, seja numa versão da sempre apoteótica “Misirlou”, seja na recriação da malha de Michael Jackson, “Smooth Criminal”.

Lula Pena
O novo álbum de Lula Pena (durante muito tempo um dos segredos mais bem guardados da música nacional) chama-se “Troubadour” e não é por acaso. Lula Pena é uma trovadora que, ao contrário de outros viajantes, exprime o que absorve das suas viagens pela música e não pela literatura. Portanto, cada um dos seus temas é uma viagem (normalmente até são várias), que têm o fado como porto de partida (também não é por acaso que o seu primeiro disco se chama “Phados”, depois de ter ido viver para a Bélgica e percebido a verdadeira essência da palavra saudade) e a música popular brasileira e o tropicalismo como porto de chegada. Pelo caminho, a chanson francesa, o cancioneiro espanhol e também a música ligeira anglo-saxónica vai servindo de porto de abrigo, numa interpretação entre as cordas da sua viola acústica e a sua voz profunda, mas também onde o silêncio é elemento fundamental na sua música.

Norberto Lobo
Também no cenário respeitoso da igreja de Cem Soldos (onde minutos antes tinha estado Lula Pena), Norberto Lobo subiu ao altar para receber a bênção de uma nave a abarrotar de gente em trajes pouco habituais para um espaço daqueles, cuja ovação final reconheceu-o como um mestre na tradição da guitarra. Já tínhamos Carlos Paredes e António Chainho e agora temos Norberto Lobo a pontuar a história da arte de bem tocar guitarra em Portugal. No entanto, Norberto Lobo trouxe uma surpresa ao Bons Sons: uma loop station para encerrar o concerto com uma textura de mantras vocais, talvez influenciado pela sua nova super-banda, os Tigrala. Depois, uma outra surpresa, mas esta algo confrangedora: sem ninguém perceber muito bem até onde aquele momento deveria ser levado a sério, Norberto chamou Manuel Lobo para uma breve incursão por uma melodia ao órgão e ao pífaro, que pareceu uma das minhas aulas de Música no ciclo, quando estávamos 38 tipos sem qualquer formação musical a tentar aprender a tocar o “Yellow Submarine”, para desespero da impotente professora. Felizmente, para o encore, Norberto Lobo trouxe um ukelele para se redimir. E é sabido que um ukelele funciona sempre para desculpar alguém.

B Fachada
Os concertos na igreja de Lula Pena e Norberto Lobo atrasaram-se um pouco e B Fachada não esperou por nós para começar a sua actuação no palco Giacometti. E quando lá chegámos, eis algo que ele “não costuma fazer muitas vezes”: uma versão de “Etelvina”, de Sérgio Godinho. Confesso que, por mais força que faça, custa-me a perceber o fenómeno B Fachada: gosto de alguns temas, tem momentos bastante felizes enquanto letrista e a forma como resgatou a viola braguesa do quase esquecimento para a música popular é fantástica. Mas o seu timbre de voz irrita-me, a sua presença em palco demasiado descontraída (engana-se várias vezes e não se importa com isso) faz com que pareça que não está a levar aquilo a sério e, algumas músicas com bateria e contrabaixo por trás, fazem lembrar mais vezes que o recomendável o… Rui Veloso. No entanto, depois saca da cartola momentos como “Os Discos do Sérgio Godinho”, do novo álbum “Há Festa na Moradia”, ou o impecável “Zé!”, de “Um Fim-de-semana no Pónei Dourado” (que encerrou a actuação), e deixam-me sem saber o que pensar, fazendo desta crónica um texto paradoxal e contraditório. B Fachada é um tipo de extremos, de quem se ama ou odeia. E isso tudo dentro do mesmo concerto.

Diabo na Cruz
Rocklore ou trad-rock, perguntava o folheto informativo do Bons Sons no texto dedicado aos Diabo na Cruz, a super-banda que junta, entre outros, Jorge Cruz, B Fachada e Bernardo Barata. E nós respondemos rocklore sem qualquer hesitação, especialmente depois de os ver ao vivo. Porque os Diabo na Cruz são uma banda rock, começando pela estrutura tradicional – guitarra, bateria e baixo, mais viola acústica e teclas – e terminando nos arranjos das canções. E, ao vivo, são uma banda de estádio, com jogos de luzes, strobs a piscar por todo o lado e um espectáculo assinalável em cima do palco. Os Diabo na Cruz são os U2 do rocklore e têm arcaboiço para aguentar a jogada, com uma música de raiz tradicional em arranjos rock – sempre a guitarra eléctrica como actor principal (Jorge Cruz tem pinta para o lugar de frontman) e a bateria a marcar o ritmo. Como uns Gaiteiros de Lisboa nas anfetaminas – e a comparação não é por acaso, uma vez que houve versão de “Lenga Lenga”, com as teclas a deslizarem por territórios psicadélicos –, o concerto de Diabo na Cruz foi do melhor que passou pelo Bons Sons deste ano, uma locomotiva de rock’n’roll para dançar o vira.

Dazkarieh
A intenção dos Dazkarieh, banda lisboeta com grande rodagem por festivais de world music por esse mundo fora, é das melhores, ao querer proporcionar uma leitura mais moderna da música tradicional portuguesa. É certo que existem instrumentos menos convencionais, chamemos-lhes assim – a sanfona, a gaita-de-foles, o adufe… -, mas o que os Dazkarieh nos oferecem são arranjos muito limpinhos, mais próximas da pop-festival-da-canção do que do rock-tradicional-fusão e com uma componente lírica bastante forte. A sério, no Festival da Canção a representarem Portugal aposto que fariam um brilharete, mas ao vivo num festival de verão é balofo e cansativo.

Terrakota
Houve uma altura em que os Terrakota estavam em todo o lado: íamos a uma queima das fitas e eles estavam lá; íamos a Paredes de Coura ou ao FMM e eles estavam lá; íamos às festas aqui da terreola e eles estavam lá; levantávamo-nos há noite para ir à casa-de-banho e eles estavam lá; dávamos um pontapé numa pedra e eles estavam lá debaixo… Depois o fulgor foi-se apaziguando e a banda foi-se estabelecendo, aprimorando a mestiçagem dos sons da “África colonial” (e não só). Perdeu o imediatismo da experimentação, mas oleou a sua máquina de dançar, que já não é só a da África negra, mas é também a do Caribe ou a da Jamaica. Sabe sempre melhor ao vivo e ao fim de noite do que em disco, mas já no início era assim.

Pedro Soares e Helena Reis

Site Bons Sons

Mescla Sonora :: Podcast # 8

Size: 59 MB

Quality: 160 kbps

Running time: 51m22s

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[00:00-02:25] Monster Rally: The Wolf

[02:26-08:04] Caribou: Sun

[08:05-17:20] Matthew Dear: Little People (Black City)

[17:21-21:19] Dream Boat: Your Beaches

[21:20-25:12] Paus: Pelo Pulso

[25:13-29:53] Hotel Mexico: Its Twinkle

[29:54-34:03] Pocahaunted: Make It Real

[34:04-35:43] Hanoi Janes: I Dig You

[35:44-37:42] R. Stevie Moore: I Wanna Hit You

[37:43-41:49] Panda Bear: Tomboy

[41:50-43:37] The Roots: A Peace Of Light (feat. Dirty Projectors)

[43:38-47:11] James Blake: CMYK

[47:12-51:22] TV On The Radio: Staring At The Sun (Diplo Remix)

Download directo

Site Culturgest

Vitorino e Janita Salomé com o Grupo de Cantadores do Redondo

Voltou a caber à música portuguesa a honra de abrir mais uma edição do FMM, algo que já começa a ser uma tradição. Desta vez a tarefa ficou a cabo dos irmãos Salomé: Vitorino, o mais mediático; Janita, o mais virtuoso; e o outro, o que ficou lá atrás a tocar viola e a fazer segundas vozes. Naturais do Redondo, os irmãos trouxeram o Grupo de Cantadores lá da terra (que ajudaram a criar, sob a alçada de Zeca Afonso) para um espectáculo em estreia absoluta, em que recriaram o cante alentejano com umas roupagens mais modernas, num conjunto de modinhas alentejanas criadas por António Lobo Antunes, clássicos de Zeca Afonso e outras canções tradicionais do cancioneiro popular alentejano. Com a versatilidade vocal de Janita Salomé, o Grupo de Cantadores do Redondo mais empenhado em cantar e menos em beber vinho nas tasquinhas ao lado do palco e o conjunto mais afinado, espera-se um concerto ainda melhor na Festa do Avante.

Cacique’97

São uma das grandes descobertas do underground lisboeta dos últimos tempos: os Cacique’97 cruzam a tradição rítmica africana com o afrobeat nigeriano, numa autêntica big band mestiça, liderada por Milton Gulli, cuja voz algo flat acaba por transformar os temas mais calmos em bocejos mais desinteressantes. O concerto pecou por duas coisas: por ter sido colocado às sete da tarde e por ter sido posto no dia mais calmo do festival. Mas já deu para começar a desenferrujar as ancas, antevendo o que aí vinha. Ah, e no encore, uma versão da Orchestra Baobab.

Nat King Cole en espagnol

Compreendo que o David Murray já faz parte da prata da casa. O saxofonista norte-americano enamorou-se pelo festival e por Sines na primeira vez que lá foi e tem estado presente em quase todas as edições, para tocar ou para dar masterclasses e workshops. Além disso, comprou casa no centro da cidade e tem colaborado com a comunidade local. Claro que o FMM não pode (nem deve) desprezar esta relação com um dos mais importantes músicos jazz contemporâneos. Mas um espectáculo como este perdeu claramente no cenário do castelo de Sines; recriar os êxitos que o crooner Nat King Cole gravou em espanhol pelo free-jazz do saxofone de Murray, uma secção de sopro cubana virtuosa e as cordas da Sinfonieta de Sines pedia uma sala fechada e cadeiras. Assim, foram duas horas que custaram a passar e que, se não fosse a participação especial (mas, infelizmente, curta) de Daniel Melingo (uma personagem esguia e com uma buzina na garganta – e, aparentemente, algum álcool a mais no sangue – a cantar tango como deve ser), teria sido mais extenuante. Além disso, qual a ideia de recriar os êxitos latinos de Nat King Cole em Portugal? Eu sei que o espanhol é um dialecto português parecido com a língua de Camões (Ramos Horta dixit), mas a fase castelhana de Nat King Cole não é coisa que impressione ninguém que conheça o reportório completo do músico americano.

Las Rubias Del Norte

As Rubias Del Norte têm um conceito para a sua música: se não tivesse acontecido a revolução rock, a música latina continuava a dominar as tabelas e as pistas de dança de todo o mundo. E elas, provavelmente, seriam uma das bandas mais importantes da actualidade. Como isso não aconteceu, Emily Hurst e Allyssa Lamb dedicam-se a dar apenas mais visibilidade às rumbas, aos cha-cha-chas, às salsas e a outros ritmos latinos, com arranjos mais jazzy, que piscam o olho à ingenuidade onírica e infantil do primeiro álbum das CocoRosie (mas sem os sons de brinquedos e outras polifonias inesperadas), ao formato pop-festival da canção (olá ABBA) e às sonoridades lounge, que tanto sucesso fazem no nosso país com os Nouvelle Vague e aquelas compilações que transformam os sucessos estafados pela rádio de bandas consolidadas (olá Rolling Stones, olá Guns n’ Roses) em hits de bossa nova para serões à beira-mar a comer crepes e a beber caipirinhas com o dedo mindinho esticado.

Céu

Caetano Veloso, nome máximo da música popular brasileira e do tropicalismo, considerou Céu o futuro da música brasileira. Céu alia um vozeirão quente e sensual à MPB e leva-a a um novo nível de modernidade, atirando-lhe uns pozinhos de electrónica (DJ Marco é o dj de serviço e um scratcher de eleição). Concerto sóbrio e sem grandes golpes de asa.

Wimme

É para isto que servem os festivais de world music. Ou pelo menos, é isto que eu espero de um festival de world music. Ouvir e descobrir novas sonoridades de locais do mundo que, em situações normais, não teríamos possibilidade de escutar. Wimme é a banda que acompanha Wimme Saari, finlandês do povo Sami do norte da Escandinava. O concerto começou pelos ritmos minimais de um blues que Tom Waits não desdenharia, com grande percepção pelos jogos silenciosos e com Wimme Saari a fazer uso de uma voz gutural e de jogos vocais imperceptíveis. Depois, o clarinete baixo de Tapani Rinne foi transformando-se em dronne e as cordas de Matti Wallenius entrando em jogos circulares, aproximando a música dos Wimme cada vez mais de uma percepção sensorial e xamânica, que nós associamos mais à música nórdica, via Sigur Rós. A voz única de Wimme Saari é mais uma forma de tecer estes mantras que grupos como os DOPO deveriam escutar mais vezes, mas a parte alta do concerto foram os três joikes que Wimme interpretou a solo – canções apenas vocais, dedicadas a animais da natureza, num cantar entre as polifonias tibetanas e o blues de tradição vocal de Leadbelly ou Son House.

Yasmin Levy

Yasmin Levy é israelita descendente dos judeus que forma expulsos da Espanha em 1400 e muitos. Por isso, no seu sangue ainda corre o ADN do cancioneiro ibérico que os seus antecedentes cantavam, inclusive em ladino, língua que está em riscos de extinção. Por isso, não admira que o repertório de Yasmin Levy seja uma mistura da passion castelhana com o romantismo dos gloriosos tempos passados em que a península ibérica era o centro do mundo, os ritmos do flamenco e a profundidade sentimental do fado. Aliás, se tivesse nascido em Portugal, Yasmin Levy teria tudo para ser uma grande fadista.

N’dial

N’diale significa “o prazer de estar juntos” e serve para descrever este encontro feliz entre o Jacky Molard Quartet e o Founé Diarra Trio. Ou seja, é o mesmo que explicar que N’diale é um projecto que funde a música tradicional bretã (a fiesta dos Pogues sempre presente, especialmente no violino de Moulard ou no acordeão) e aquilo que se convencionou chamar, anos mais tarde, de alt-country, com os ritmos malianos da cantora Founé Diarra. Resumindo e baralhando: cruzamento explosivo dos ritmos africanos de tradição mandinga com os ritmos das festas bretãs regadas a vinho e força acústica.

The Mekons

E por falar em alt-country, que tal se falarmos daqueles que foram uns dos responsáveis pelo cunho deste termo? Os Mekons que vieram a Sines estão cada vez mais country e cada vez mais longe dos tempos em que, ao lado de gente como os Gang Of Four, andavam a colocar o prefixo pós ao punk. Sentados em semi-círculo e apenas recorrendo ao poder dos instrumentos acústicos e da percussão, criaram o fim de noite perfeito para uma festa que inclui, obrigatoriamente, vinho e muita dança colectiva (mesmo que sirva para que Tom Greenhalgh, em grande forma, parodiar o sapateado do Riverdance).

Grupo Fantasma

Prince considera este Grupo Fantasma como a maior orquestra latina dos Estados Unidos. E se sua iminência assim o diz é porque é. O concerto de Sines foi, portanto, passe a redundância, apenas para os mais cépticos confirmarem isto. O Grupo Fantasma trouxe para o after da avenida da Praia, em Sines, os ritmos latinos que mais devem ao funk. Claro que para quem não é um rei do mambo estas coisas cansam ao fim de algum tempo.

Kimi Djabaté

Se olharmos para o mapa, vemos que a Guiné não fica muito longe do Mali. E se costumamos vir a Sines, já descobrimos que no Mali não existe má música. Kimi Djabaté, guineense estabelecido em Lisboa, relembrou-nos destas duas premissas, com uma actuação diabólica de levantar poeira, lembrando-nos a cultura griot, mas também os ritmos mais quentes da morna cabo-verdiana e da música angolana.

The Rodeo

Esta edição do FMM marcou o ano em que a música tradicional norte-americana veio em força ao festival. E porque não? Afinal, os Estados Unidos são um país do mundo e, como tal, a música que lá se faz é também world music. The Rodeo é uma menina francesa que tem a  um lado americano a correr-lhe nas veias e canta folk e country como uma mulher vivida do Texas (olá Loretta Lynn, olá Dolly Parton). E no alinhamento até houve a inevitável versão de Ring of Fire, de Johnny Cash.

Sa Dingding

Sa Dingding é uma das maiores estrelas da música chinesa, mas se não tivesse nascido para lá do sol posto não poria os pés em Sines, de certezinha absoluta. É que a sua música pouco tem da tradição musical chinesa, sendo antes um power-pop espalhafatoso, mais perto dos espectáculos grandiosos da Madonna e da electrónica-esquisita de Björk (nem que seja pela verborreia que não se percebe nada). Mas com voz lírica estridente, claro.

Tinariwen

Os reis do deserto do Sahara são já uma presença regular em Portugal e, por isso, sabemos com o que podemos contar. Blues do deserto (olá Ali Farka Touré), em desenhos circulares, que colocam os Tinariwen a jogar no campeonato rock com uma segurança impressionante, que faz o Benfica de Jorge Jesus repensar a sua táctica. A isto aliam uma presença em palco gigante e uma dinâmica colectiva de quem faz isto há muito tempo, colocando os backing vocals a dançarem na boca do palco de forma irresistível.

Forró in the Dark

E, de repente, a avenida da Praia parecia aqui a minha rua no sábado à tarde: forró em altos berros, brasileiros a gritar e cerveja por todo o lado. Os Forró in The Dark são três brasileiros estabelecidos nos Estados Unidos que deram viabilidade ao forró nordestino, trazendo-o para as pistas de dança e injectando-o de anfetaminas, dub e outras modernices. E, tal como os outros ritmos urbanos que andam a contagiar as pistas de dança (os Buraka Som Sistema, a MIA ou os Bonde do Role), o forró dos Forró in the Dark transforma-se em algo irresistível ao corpo, um verdadeiro inimigo da letargia. Mas não deixa de ser forró.

Galaxy

À segunda música dos Galaxy, a Jamaica telefonou e pediu a sua música de volta. Timorenses a cantar reggae não é nada de especial, mesmo que seja a primeira banda de Timor a tocar na Europa. Depois lá foram pisando outras sonoridades mais modernas, com o hip-hop e guitarradas rock mais altas, sempre com (alegadamente) letras de intervenção e resistência. Aliás, antes de começar o concerto, a banda esteve a discursar contra o colonialismo. Mas a coisa nunca foi além disto.

Lole Montoya

Lole Montoya é um dos principais nomes do novo flamenco. Cantora e “bailaora”, Montoya transforma a tradição sevilhana flamenca em divagações mais jazz, abrindo os horizontes da sua música. No entanto, o mais impressionante da sua música continua a ser o seu vozeirão. Dispensava-se era tanto encore.

Cheick Tidiane Seck feat. Mamani Keita

Já aqui o dissemos: não há maus músicos no Mali. Cheick Tidiane Seck é um desses casos: virtuoso do hammond, Seck lidera uma verdadeira orquestra rock-funk, descendente da escola de Bamako, mas que não tem medo de ir beber à tradição afrobeat de Fela Kuti ou ao funk de James Brown. Para Sines, trouxe o maior baixista que alguma vez vi a solar e a cantora Mamani Keita, que já havia passado por Sines em nome individual, mas que desta vez só veio fazer o mesmo que a mesinha ali do canto da minha sala está a fazer: decorar. Dispensava-se tanta balada e pedia-se mais música para abanar o rabo.

Staff Benda Bilili

Os Staff Benda Bilili são uma banda congolesa formada por deficientes motores vítimas da poliomielite e retirados das ruas de Kinshasha. Ganharam vários prémios, ouvimos dizer, e ao início tememos que tivesse sido apenas por simpatia ou compaixão. Mas depois vemo-los ao vivo e é como ver o Crippled Masters, mas com músicos, em vez de artes-marciais: os Staff Benda Bilili são uma máquina rítmica infernal e, apesar das suas condições físicas, não têm complexos em se atirarem das cadeiras de rodas para o chão e dançarem desenfreadamente. E se eles, mesmo sem pernas, dançam a noite toda, porque é que nós não o havíamos de fazer também?

U-Roy

Chamam-lhe The Originator e a sua carreira justifica: U-Roy ajudou a transformar o reggae num género universal, sendo um dos nomes fundamentais do toasting, no tempo em que o dj era um tipo que rapava por cima dos pratos a rodar nas sound systems, discotecas ambulantes e roufenhas que rebentavam com as ruas da Jamaica. Por isso, esperávamos mais do que um reggaezinho convencional, guitarra ritmo em constante péum-péum péum-péum, mcs retirados a fórceps do r&b e U-Roy quase em modo automático.

Texto: Pedro Soares

Fotos FMM 2010

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Entre os dias 6 e 15 de Agosto o anfiteatro ao ar livre da Fundação Calouste Gulbenkian volta a receber mais uma edição do Jazz Em Agosto. Este ano há a destacar as presenças de Evan Parker Electro-Acoutic Ensemble, Louis Sclavis (com a apresentação Lost On The Way), John Surman & Jack DeJohnette ou ainda Circulasione Totale Orchestra entre outros. E como nem só de música ao vivo se faz o Jazz Em Agosto, também se poderá assistir à conferência “Jazz Americano e Jazz Europeu: Um diálogo não interrompido”, apresentado por Francesco Martinelli, assim como à visualização do documentário Han Bennink «Hazentijd (de Jellie Dekker e Dick Lucas). Os bilhetes diários custam 20 euros (descontos para maiores de 65 anos e menores de 25 anos) e podem ser adquiridos na própria Gulbenkian, Recepção do CAMJAP ou no site do fetsival.

Site Jazz Em Agosto

Flower Corsano Duo

Da celebração do ruído e da espiritualidade oriental, Chris Corsano e Michael Flower têm criado um universo francamente fascinante. Muito além da confrontação noise ou da entrega do free-jazz, o duo reúne estas e outras linguagens num lugar unicamente seu. De um lado o shaahi baaja (instrumento híbrido, algures entre um banjo eléctrica e uma sítara) de Flower; do outro a bateria vulcânica de Corsano.

A cumplicidade entre os dois é indiscutível. Sem descurar na prestação de Flower – talvez por ser menos imediata – as atenções iniciais inevitavelmente caem em Chris Corsano. A classe do baterista impressiona quem o vê e seguir a sua dinâmica rítmica apresenta-se como um fabuloso exercício, mesmo para quem não tem qualquer tipo de noção e/ou iniciação no instrumento. Por outras palavras, sente-se de forma muito directa o calibre do músico. A Flower reconhece-se a criação de complexas malhas sónicas, numa constante e libertadora fonte de energia. Talvez semelhante aquela que escutamos em disco como Wonderful Rainbow dos Lightning Bolt ou no sempre deslumbrante Black Woman de Sonny Sharrock. E de lembrar que tudo isto sai de um bizarro instrumento de cordas que dificilmente soará como qualquer outro.

Apesar de ampla e tantas vezes desvirtuada, a palavra zen acaba por ser chave de ouro para a música incendiária de Flower Corsano Duo. Uma única e extensa faixa que constituiu a apresentação arrebatadora que já se esperava e naturalmente, se veio a confirmar.

Z´EV & David Maranha

Se Flower Corsano Duo acentuam intensidade à sua música através de uma frenesim energético e magnético, já Z´EV e David Maranha atingem-na através de um abordagem mais negra e cerebral. Algo que até nem é de estranhar dado percurso de Z´EV, um dos pioneiros na música industrial e figura maior na música improvisada internacional.

A partir de um complexo jogo de percussão em cenário pós-maquinal, Z´EV soube construir um momento ritualista negro que ganhou corpo e forma a seu próprio tempo. A partir de um clima de tensão em que o silêncio é peça vital, o caminho traçado assentou numa construção em crescendo  que em muito se intensificou pela excelente prestação de Maranha. O membro dos Osso Exótico teceu sabiamente um cuidadoso manto sonoro sobre o ritmo frio e evocativo produzido pelo músico norte-americano. Uma estrutura inteligente que traz surpresa no que diz respeito à criação de paisagens sonoras apocalípticas ou simplesmente cinemáticas. Uma busca  energética pela face mais obscura da música e – em certa medida – igualmente próxima de uma atmosfera e filosofia orientais.

Nuno Afonso

Strange Weather, Isn´t It?

Visões caleidoscópicas em cores e formatos que tanto nutrem de um sentido hipnótico-expressivo como de um lado assumidamente festivo. No fundo, a própria premissa dos !!!, agora numa linguagem visual.